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Wassily Kandinsky foi um dos artistas mais originais e influentes do século XX e um pioneiro da pintura abstrata. A sua “necessidade interior” de expressar as suas percepções emocionais levou ao desenvolvimento de um estilo abstrato de pintura, baseado nas propriedades não representacionais da cor e da forma. Seu vocabulário visual desenvolveu-se em três fases, passando de suas primeiras telas representacionais e seu simbolismo divino para suas composições arrebatadoras e operísticas, até seus últimos planos de cores geométricos e biomórficos. A arte e as ideias de Kandinsky inspiraram muitas gerações de artistas, desde os seus alunos da Bauhaus até aos Expressionistas Abstratos após a Segunda Guerra Mundial. Neste artigo, exploraremos a vida e obra de Wassily Kandinsky, focando em suas pinturas e seu estilo, significado e influência. Daremos também algumas dicas de como apreciar e compreender sua arte abstrata, e alguns exemplos de suas obras mais famosas e representativas.
Wassily Kandinsky nasceu em 4 de dezembro de 1866, em Moscou, na Rússia. Ele veio de uma família bem-educada e culta e desde cedo demonstrou interesse por arte, música e literatura. Aprendeu a tocar piano e violoncelo e ficou fascinado pelas cores e seus efeitos nos sentidos. Certa vez, ele lembrou que via as cores como sons e os sons como cores, uma condição conhecida como sinestesia. Ele também tinha uma imaginação vívida e uma perspectiva espiritual, influenciada pela sua educação cristã ortodoxa e pela sua exposição a várias religiões e filosofias.
Kandinsky estudou direito e economia na Universidade de Moscou, onde se formou com louvor em 1892. Depois trabalhou como professor e advogado, mas se sentia insatisfeito com sua carreira e sua vida. Decidiu seguir sua paixão pela arte e mudou-se para Munique, na Alemanha, em 1896, aos 30 anos. Lá, matriculou-se na Academia de Belas Artes e estudou sob a orientação de Franz von Stuck, pintor simbolista. Ele também visitou várias cidades europeias, como Paris, Amsterdã e Veneza, e encontrou as obras dos impressionistas, dos pós-impressionistas e dos fauvistas, que usavam cores vivas e expressivas para capturar a luz e o clima. Ele ficou particularmente impressionado com as pinturas de Claude Monet, especialmente sua série Haystacks, que mostrava o mesmo tema em diferentes condições de iluminação e horários do dia. Kandinsky percebeu que a cor poderia ser usada para transmitir emoções e sensações, e não apenas para representar a realidade.
As primeiras pinturas de Kandinsky eram principalmente paisagens e cenas da arte popular russa, como contos de fadas e lendas. Ele usou cores vibrantes e contrastantes e experimentou diferentes técnicas e estilos. Ele também incorporou elementos de simbolismo e espiritualidade, pois acreditava que a arte era uma forma de comunicação com o divino e com o eu interior. Alguns de seus primeiros trabalhos incluem The Blue Rider (1903), The Last Judgment (1912) e Old Town II (1902).
Em 1911, Kandinsky fundou um grupo artístico chamado Der Blaue Reiter (The Blue Rider), juntamente com outros artistas de vanguarda, como Franz Marc, August Macke e Paul Klee. O nome do grupo foi inspirado na pintura homônima de Kandinsky, que mostrava um cavaleiro cavalgando por uma paisagem. O cavaleiro azul simbolizava a busca do artista pela liberdade espiritual e artística e a sua rejeição do convencional e do mundano. O grupo compartilhou uma visão comum de criar uma nova arte que transcendesse as fronteiras do realismo e expressasse o mundo interior do artista. Também organizaram exposições, publicaram um jornal e escreveram um manifesto, no qual expuseram os seus princípios e objetivos.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais abstratas e expressivas e apresentavam motivos como círculos, linhas e cavalos. Ele usou cores e formas para criar efeitos musicais e emocionais e para evocar sons e sensações. Ele também escreveu um livro intitulado Concerning the Spiritual in Art, no qual explica sua teoria da arte e sua classificação de cores e formas. Ele argumentou que a arte deveria estar livre de restrições representacionais e que a arte abstrata era o modo ideal de expressar a “necessidade interna” do artista e de transmitir emoções e ideias humanas universais. Ele também afirmou que as cores e as formas tinham significados e associações próprias, e que poderiam ser combinadas para criar harmonias e contrastes, semelhantes às composições musicais. Ele comparou o pintor a um compositor e a pintura a uma sinfonia. Algumas de suas pinturas desse período incluem Composição IV (1911), Improvisação 28 (1912) e Linhas Negras (1913).
Em 1914, após a eclosão da Primeira Guerra Mundial, Kandinsky retornou a Moscou, onde se envolveu nas reformas culturais e educacionais da Revolução Russa. Ele ajudou a fundar o Museu da Cultura da Pintura e lecionou nos Svomas de Moscou (Estúdios de Arte do Estado Livre). No entanto, logo se sentiu alienado e isolado da sociedade soviética, que favorecia uma arte mais realista e de orientação social. Ele também enfrentou censura e críticas das autoridades, que consideravam sua arte abstrata decadente e burguesa. Em 1921, deixou a Rússia e voltou para a Alemanha, onde ingressou na Bauhaus, escola de arte e design fundada por Walter Gropius. A Bauhaus pretendia unificar arte, artesanato e tecnologia e criar uma estética funcional e moderna. Kandinsky ministrou aulas de design básico e, mais tarde, aulas de teoria avançada, onde apresentou suas idéias sobre psicologia das formas, teoria das cores e abstração geométrica. Ele também conduziu experimentos sobre os efeitos das cores e formas na percepção e no comportamento humano.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais geométricas e biomórficas e refletiam seus ensinamentos na Bauhaus. Ele usou formas simples, como círculos, triângulos e quadrados, e cores primárias, como vermelho, amarelo e azul, para criar composições equilibradas e harmoniosas. Ele também usou preto e branco para criar contraste e tensão e para enfatizar o movimento dinâmico das formas. Ele continuou a explorar os aspectos musicais e espirituais de sua arte e a criar séries de pinturas com títulos como Composições, Improvisações e Impressões. Algumas de suas pinturas desse período incluem Amarelo-Vermelho-Azul (1925), Vários Círculos (1926) e Composição VIII (1923).
Em 1933, os nazistas fecharam a Bauhaus e Kandinsky mudou-se para Paris, onde viveu o resto da vida. Tornou-se cidadão francês em 1939 e continuou a pintar e escrever. Ele estava principalmente isolado dos outros artistas, que estavam envolvidos no Surrealismo ou na Abstração-Criação, dois movimentos com os quais ele não se identificava totalmente. Também enfrentou dificuldades para expor e vender seu trabalho, pois o público e a crítica não eram muito receptivos à sua arte abstrata. Encontrou algum apoio e reconhecimento de velhos amigos, como Paul Klee e Piet Mondrian, e de alguns artistas mais jovens, como Jean Arp e Joan Miró.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais orgânicas e biomórficas, e apresentavam formas que lembravam organismos microscópicos, plantas e animais. Ele usou uma paleta mais diversificada e suave e experimentou diferentes texturas e materiais, como areia, gesso e jornal. Ele também incorporou elementos de colagem e montagem e usou linhas curvas e angulares para criar padrões complexos e intrincados. Ele manteve seu interesse pela música e espiritualidade, e nomeou algumas de suas pinturas com termos musicais, como Tempered Élan (1944), Mild Tension (1937) e Dominant Curve (1936).
As pinturas de Kandinsky não são fáceis de compreender ou apreciar, pois não representam quaisquer objetos ou cenas reconhecíveis e não têm significados claros ou fixos. Destinam-se a ser experimentados e interpretados pelo espectador, que pode usar a sua própria imaginação, emoções e associações para criar uma resposta pessoal e subjetiva. Porém, existem algumas dicas e orientações que podem ajudar o espectador a se aproximar e apreciar as pinturas de Kandinsky, tais como:
Aqui estão alguns exemplos de pinturas de Kandinsky, juntamente com algumas breves explicações e análises. Você pode usar as dicas e orientações acima para explorar e apreciar ainda mais essas pinturas ou quaisquer outras pinturas de Kandinsky.
A Composição IV é uma das primeiras pinturas de Kandinsky completamente abstrata, o que significa que não retrata nenhum objeto ou cena reconhecível. É também uma de suas pinturas mais complexas e caóticas, pois contém uma infinidade de cores, formas e formas que parecem se chocar e colidir entre si. Porém, se você olhar com atenção, ainda poderá encontrar alguns vestígios de representação, como um cavalo, um cavaleiro, um barco, um castelo e um arco-íris. Estes elementos são derivados das pinturas anteriores de Kandinsky e simbolizam a sua jornada espiritual e artística. A pintura também é influenciada pela música, como o título sugere, e pode ser vista como uma sinfonia visual, com diferentes motivos, temas e variações. A pintura pretende evocar uma gama de emoções e sensações no espectador e estimular a imaginação e a intuição.
Amarelo-Vermelho-Azul é uma das pinturas de Kandinsky que reflete seus ensinamentos na Bauhaus, onde utilizou formas geométricas e cores primárias para criar composições harmoniosas e equilibradas. A pintura está dividida em duas metades, com um triângulo amarelo à esquerda e um círculo azul à direita. O triângulo amarelo representa calor, luz e atividade, enquanto o círculo azul representa frio, escuridão e passividade. O quadrado vermelho no centro representa o equilíbrio e a tensão entre os dois opostos. A pintura também contém outras formas e cores, como linhas pretas e brancas, retângulos verdes e roxos e círculos laranja e rosa, que criam contraste e movimento. A pintura também sofre influência da música, como o título sugere, e pode ser vista como um acorde visual, com diferentes tons, notas e harmonias. A pintura pretende comunicar a “necessidade interior” do artista e criar uma linguagem universal de arte.
Curva Dominante é uma das pinturas de Kandinsky que reflete sua vida em Paris, onde utilizou formas orgânicas e biomórficas e uma paleta mais diversificada e suave para criar padrões complexos e intrincados. A pintura é dominada por uma grande linha curva que atravessa a tela e cria uma sensação de movimento e direção. A pintura também contém outras formas e cores, como círculos, triângulos, quadrados e espirais, que lembram organismos microscópicos, plantas e animais. A pintura também incorpora elementos de colagem e montagem, como recortes de jornais, que criam textura e contraste. A pintura também sofre influência da música, como o título sugere, e pode ser vista como uma melodia visual, com diferentes ritmos, andamentos e variações. A pintura pretende expressar o “som interior” do artista e criar uma resposta pessoal e subjetiva no espectador.
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