Wassily Kandinsky foi um dos artistas mais originais e influentes do século XX e um pioneiro da pintura abstrata. A sua “necessidade interior” de expressar as suas percepções emocionais levou ao desenvolvimento de um estilo abstrato de pintura, baseado nas propriedades não representacionais da cor e da forma. Seu vocabulário visual desenvolveu-se em três fases, passando de suas primeiras telas representacionais e seu simbolismo divino para suas composições arrebatadoras e operísticas, até seus últimos planos de cores geométricos e biomórficos. A arte e as ideias de Kandinsky inspiraram muitas gerações de artistas, desde os seus alunos da Bauhaus até aos Expressionistas Abstratos após a Segunda Guerra Mundial. Neste artigo, exploraremos a vida e obra de Wassily Kandinsky, focando em suas pinturas e seu estilo, significado e influência. Daremos também algumas dicas de como apreciar e compreender sua arte abstrata, e alguns exemplos de suas obras mais famosas e representativas.
Início da vida e influências
Wassily Kandinsky nasceu em 4 de dezembro de 1866, em Moscou, na Rússia. Ele veio de uma família bem-educada e culta e desde cedo demonstrou interesse por arte, música e literatura. Aprendeu a tocar piano e violoncelo e ficou fascinado pelas cores e seus efeitos nos sentidos. Certa vez, ele lembrou que via as cores como sons e os sons como cores, uma condição conhecida como sinestesia. Ele também tinha uma imaginação vívida e uma perspectiva espiritual, influenciada pela sua educação cristã ortodoxa e pela sua exposição a várias religiões e filosofias.
Kandinsky estudou direito e economia na Universidade de Moscou, onde se formou com louvor em 1892. Depois trabalhou como professor e advogado, mas se sentia insatisfeito com sua carreira e sua vida. Decidiu seguir sua paixão pela arte e mudou-se para Munique, na Alemanha, em 1896, aos 30 anos. Lá, matriculou-se na Academia de Belas Artes e estudou sob a orientação de Franz von Stuck, pintor simbolista. Ele também visitou várias cidades europeias, como Paris, Amsterdã e Veneza, e encontrou as obras dos impressionistas, dos pós-impressionistas e dos fauvistas, que usavam cores vivas e expressivas para capturar a luz e o clima. Ele ficou particularmente impressionado com as pinturas de Claude Monet, especialmente sua série Haystacks, que mostrava o mesmo tema em diferentes condições de iluminação e horários do dia. Kandinsky percebeu que a cor poderia ser usada para transmitir emoções e sensações, e não apenas para representar a realidade.
As primeiras pinturas de Kandinsky eram principalmente paisagens e cenas da arte popular russa, como contos de fadas e lendas. Ele usou cores vibrantes e contrastantes e experimentou diferentes técnicas e estilos. Ele também incorporou elementos de simbolismo e espiritualidade, pois acreditava que a arte era uma forma de comunicação com o divino e com o eu interior. Alguns de seus primeiros trabalhos incluem The Blue Rider (1903), The Last Judgment (1912) e Old Town II (1902).
O Período do Cavaleiro Azul
Em 1911, Kandinsky fundou um grupo artístico chamado Der Blaue Reiter (The Blue Rider), juntamente com outros artistas de vanguarda, como Franz Marc, August Macke e Paul Klee. O nome do grupo foi inspirado na pintura homônima de Kandinsky, que mostrava um cavaleiro cavalgando por uma paisagem. O cavaleiro azul simbolizava a busca do artista pela liberdade espiritual e artística e a sua rejeição do convencional e do mundano. O grupo compartilhou uma visão comum de criar uma nova arte que transcendesse as fronteiras do realismo e expressasse o mundo interior do artista. Também organizaram exposições, publicaram um jornal e escreveram um manifesto, no qual expuseram os seus princípios e objetivos.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais abstratas e expressivas e apresentavam motivos como círculos, linhas e cavalos. Ele usou cores e formas para criar efeitos musicais e emocionais e para evocar sons e sensações. Ele também escreveu um livro intitulado Concerning the Spiritual in Art, no qual explica sua teoria da arte e sua classificação de cores e formas. Ele argumentou que a arte deveria estar livre de restrições representacionais e que a arte abstrata era o modo ideal de expressar a “necessidade interna” do artista e de transmitir emoções e ideias humanas universais. Ele também afirmou que as cores e as formas tinham significados e associações próprias, e que poderiam ser combinadas para criar harmonias e contrastes, semelhantes às composições musicais. Ele comparou o pintor a um compositor e a pintura a uma sinfonia. Algumas de suas pinturas desse período incluem Composição IV (1911), Improvisação 28 (1912) e Linhas Negras (1913).
O Período Bauhaus
Em 1914, após a eclosão da Primeira Guerra Mundial, Kandinsky retornou a Moscou, onde se envolveu nas reformas culturais e educacionais da Revolução Russa. Ele ajudou a fundar o Museu da Cultura da Pintura e lecionou nos Svomas de Moscou (Estúdios de Arte do Estado Livre). No entanto, logo se sentiu alienado e isolado da sociedade soviética, que favorecia uma arte mais realista e de orientação social. Ele também enfrentou censura e críticas das autoridades, que consideravam sua arte abstrata decadente e burguesa. Em 1921, deixou a Rússia e voltou para a Alemanha, onde ingressou na Bauhaus, escola de arte e design fundada por Walter Gropius. A Bauhaus pretendia unificar arte, artesanato e tecnologia e criar uma estética funcional e moderna. Kandinsky ministrou aulas de design básico e, mais tarde, aulas de teoria avançada, onde apresentou suas idéias sobre psicologia das formas, teoria das cores e abstração geométrica. Ele também conduziu experimentos sobre os efeitos das cores e formas na percepção e no comportamento humano.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais geométricas e biomórficas e refletiam seus ensinamentos na Bauhaus. Ele usou formas simples, como círculos, triângulos e quadrados, e cores primárias, como vermelho, amarelo e azul, para criar composições equilibradas e harmoniosas. Ele também usou preto e branco para criar contraste e tensão e para enfatizar o movimento dinâmico das formas. Ele continuou a explorar os aspectos musicais e espirituais de sua arte e a criar séries de pinturas com títulos como Composições, Improvisações e Impressões. Algumas de suas pinturas desse período incluem Amarelo-Vermelho-Azul (1925), Vários Círculos (1926) e Composição VIII (1923).
O Período Parisiense
Em 1933, os nazistas fecharam a Bauhaus e Kandinsky mudou-se para Paris, onde viveu o resto da vida. Tornou-se cidadão francês em 1939 e continuou a pintar e escrever. Ele estava principalmente isolado dos outros artistas, que estavam envolvidos no Surrealismo ou na Abstração-Criação, dois movimentos com os quais ele não se identificava totalmente. Também enfrentou dificuldades para expor e vender seu trabalho, pois o público e a crítica não eram muito receptivos à sua arte abstrata. Encontrou algum apoio e reconhecimento de velhos amigos, como Paul Klee e Piet Mondrian, e de alguns artistas mais jovens, como Jean Arp e Joan Miró.
As pinturas de Kandinsky desse período tornaram-se mais orgânicas e biomórficas, e apresentavam formas que lembravam organismos microscópicos, plantas e animais. Ele usou uma paleta mais diversificada e suave e experimentou diferentes texturas e materiais, como areia, gesso e jornal. Ele também incorporou elementos de colagem e montagem e usou linhas curvas e angulares para criar padrões complexos e intrincados. Ele manteve seu interesse pela música e espiritualidade, e nomeou algumas de suas pinturas com termos musicais, como Tempered Élan (1944), Mild Tension (1937) e Dominant Curve (1936).
Como apreciar e compreender as pinturas de Kandinsky
As pinturas de Kandinsky não são fáceis de compreender ou apreciar, pois não representam quaisquer objetos ou cenas reconhecíveis e não têm significados claros ou fixos. Destinam-se a ser experimentados e interpretados pelo espectador, que pode usar a sua própria imaginação, emoções e associações para criar uma resposta pessoal e subjetiva. Porém, existem algumas dicas e orientações que podem ajudar o espectador a se aproximar e apreciar as pinturas de Kandinsky, tais como:
- Observe as cores e como elas interagem entre si. Eles criam contraste ou harmonia? Eles evocam algum sentimento ou humor? Eles lembram algum som ou música?
- Observe as formas e como elas se relacionam. Eles criam equilíbrio ou tensão? Eles sugerem algum movimento ou direção? Eles se assemelham a algum objeto ou símbolo?
- Veja a composição e como ela está organizada. Você vê algum ponto focal ou centro de interesse? Você vê algum padrão ou ritmo? Você vê alguma simetria ou assimetria? Você vê alguma profundidade ou perspectiva?
- Veja o título e como ele se relaciona com a pintura. Isso lhe dá alguma pista ou sugestão? Sugere algum tema ou conceito? Combina ou contrasta com a sua impressão da pintura?
- Observe o contexto e como ele influencia a pintura. Quando e onde a pintura foi feita? Qual foi a intenção e motivação do artista? Qual foi o contexto histórico e cultural? A que movimento artístico ou estilo pertencia a pintura?
- Observe sua própria reação e como ela afeta sua compreensão da pintura. O que você gosta ou não gosta na pintura? O que você sente ou pensa quando olha para a pintura? O que você associa ou conecta com a pintura? O que você aprende ou descobre com a pintura?
Exemplos de pinturas de Kandinsky
Aqui estão alguns exemplos de pinturas de Kandinsky, juntamente com algumas breves explicações e análises. Você pode usar as dicas e orientações acima para explorar e apreciar ainda mais essas pinturas ou quaisquer outras pinturas de Kandinsky.
Composição IV (1911)
A Composição IV é uma das primeiras pinturas de Kandinsky completamente abstrata, o que significa que não retrata nenhum objeto ou cena reconhecível. É também uma de suas pinturas mais complexas e caóticas, pois contém uma infinidade de cores, formas e formas que parecem se chocar e colidir entre si. Porém, se você olhar com atenção, ainda poderá encontrar alguns vestígios de representação, como um cavalo, um cavaleiro, um barco, um castelo e um arco-íris. Estes elementos são derivados das pinturas anteriores de Kandinsky e simbolizam a sua jornada espiritual e artística. A pintura também é influenciada pela música, como o título sugere, e pode ser vista como uma sinfonia visual, com diferentes motivos, temas e variações. A pintura pretende evocar uma gama de emoções e sensações no espectador e estimular a imaginação e a intuição.
Amarelo-Vermelho-Azul (1925)
Amarelo-Vermelho-Azul é uma das pinturas de Kandinsky que reflete seus ensinamentos na Bauhaus, onde utilizou formas geométricas e cores primárias para criar composições harmoniosas e equilibradas. A pintura está dividida em duas metades, com um triângulo amarelo à esquerda e um círculo azul à direita. O triângulo amarelo representa calor, luz e atividade, enquanto o círculo azul representa frio, escuridão e passividade. O quadrado vermelho no centro representa o equilíbrio e a tensão entre os dois opostos. A pintura também contém outras formas e cores, como linhas pretas e brancas, retângulos verdes e roxos e círculos laranja e rosa, que criam contraste e movimento. A pintura também sofre influência da música, como o título sugere, e pode ser vista como um acorde visual, com diferentes tons, notas e harmonias. A pintura pretende comunicar a “necessidade interior” do artista e criar uma linguagem universal de arte.
Curva Dominante (1936)
Curva Dominante é uma das pinturas de Kandinsky que reflete sua vida em Paris, onde utilizou formas orgânicas e biomórficas e uma paleta mais diversificada e suave para criar padrões complexos e intrincados. A pintura é dominada por uma grande linha curva que atravessa a tela e cria uma sensação de movimento e direção. A pintura também contém outras formas e cores, como círculos, triângulos, quadrados e espirais, que lembram organismos microscópicos, plantas e animais. A pintura também incorpora elementos de colagem e montagem, como recortes de jornais, que criam textura e contraste. A pintura também sofre influência da música, como o título sugere, e pode ser vista como uma melodia visual, com diferentes ritmos, andamentos e variações. A pintura pretende expressar o “som interior” do artista e criar uma resposta pessoal e subjetiva no espectador.
