Wassily Kandinsky è stato uno degli artisti più originali e influenti del XX secolo e un pioniere della pittura astratta. La sua “necessità interiore” di esprimere le sue percezioni emotive ha portato allo sviluppo di uno stile di pittura astratto, basato sulle proprietà non rappresentative del colore e della forma. Il suo vocabolario visivo si è sviluppato attraverso tre fasi, passando dalle sue prime tele rappresentative e il loro simbolismo divino alle sue composizioni estatiche e operistiche, ai suoi piani di colore piatti tardivi, geometrici e biomorfi. L’arte e le idee di Kandinsky hanno ispirato molte generazioni di artisti, dai suoi studenti del Bauhaus agli espressionisti astratti del secondo dopoguerra. In questo articolo esploreremo la vita e l'opera di Wassily Kandinsky, concentrandoci sui suoi dipinti e sul loro stile, significato e influenza. Forniremo inoltre alcuni consigli su come apprezzare e comprendere la sua arte astratta, e alcuni esempi delle sue opere più famose e rappresentative.
Primi anni di vita e influenze
Wassily Kandinsky è nato il 4 dicembre 1866 a Mosca, in Russia. Proveniva da una famiglia colta e istruita e mostrò presto un interesse per l'arte, la musica e la letteratura. Ha imparato a suonare il pianoforte e il violoncello ed è rimasto affascinato dal colore e dai suoi effetti sui sensi. Una volta ricordò di aver visto i colori come suoni e i suoni come colori, una condizione nota come sinestesia. Aveva anche una vivida immaginazione e una visione spirituale, influenzata dalla sua educazione cristiana ortodossa e dalla sua esposizione a varie religioni e filosofie.
Kandinsky studiò diritto ed economia all'Università di Mosca, dove si laureò con lode nel 1892. In seguito lavorò come docente e avvocato, ma si sentiva insoddisfatto della sua carriera e della sua vita. Decise di perseguire la sua passione per l'arte e si trasferì a Monaco, in Germania, nel 1896, all'età di 30 anni. Lì si iscrisse all'Accademia di Belle Arti e studiò sotto la guida di Franz von Stuck, un pittore simbolista. Visitò anche varie città europee, come Parigi, Amsterdam e Venezia, e incontrò le opere degli impressionisti, dei post-impressionisti e dei Fauves, che usavano colori brillanti ed espressivi per catturare la luce e l'atmosfera. Rimase particolarmente colpito dai dipinti di Claude Monet, in particolare dalla serie Haystacks, che mostrava lo stesso soggetto in diverse condizioni di illuminazione e orari della giornata. Kandinsky capì che il colore poteva essere usato per trasmettere emozioni e sensazioni, piuttosto che semplicemente per rappresentare la realtà.
I primi dipinti di Kandinsky erano principalmente paesaggi e scene dell’arte popolare russa, come fiabe e leggende. Ha usato colori vibranti e contrastanti e ha sperimentato tecniche e stili diversi. Incorporò anche elementi di simbolismo e spiritualità, poiché credeva che l'arte fosse un modo per comunicare con il divino e il sé interiore. Alcuni dei suoi primi lavori includono The Blue Rider (1903), The Last Judgment (1912) e Old Town II (1902).
Il periodo del Cavaliere Azzurro
Nel 1911, Kandinsky fondò un gruppo artistico chiamato Der Blaue Reiter (Il Cavaliere Azzurro), insieme ad altri artisti d'avanguardia, come Franz Marc, August Macke e Paul Klee. Il nome del gruppo è stato ispirato dal dipinto di Kandinsky con lo stesso titolo, che raffigurava un cavaliere che cavalcava attraverso un paesaggio. Il cavaliere blu simboleggiava la ricerca dell’artista per la libertà spirituale e artistica e il suo rifiuto del convenzionale e del mondano. Il gruppo condivideva una visione comune di creare una nuova arte che trascendesse i confini del realismo ed esprimesse il mondo interiore dell'artista. Organizzarono anche mostre, pubblicarono un giornale e scrissero un manifesto in cui dichiaravano i loro principi e obiettivi.
I dipinti di Kandinsky di questo periodo divennero più astratti ed espressivi e presentavano motivi come cerchi, linee e cavalli. Ha utilizzato colori e forme per creare effetti musicali ed emotivi e per evocare suoni e sensazioni. Scrisse anche un libro, intitolato Concerning the Spiritual in Art, in cui spiegò la sua teoria dell'arte e la sua classificazione dei colori e delle forme. Sosteneva che l’arte dovrebbe essere libera da vincoli rappresentativi e che l’arte astratta era la modalità ideale per esprimere la “necessità interiore” dell’artista e per trasmettere emozioni e idee umane universali. Sosteneva anche che i colori e le forme avevano i propri significati e associazioni e che potevano essere combinati per creare armonie e contrasti, simili alle composizioni musicali. Paragonò il pittore a un compositore e il dipinto a una sinfonia. Alcuni dei suoi dipinti di questo periodo includono Composizione IV (1911), Improvvisazione 28 (1912) e Linee nere (1913).
Il periodo Bauhaus
Nel 1914, dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, Kandinsky tornò a Mosca, dove fu coinvolto nelle riforme culturali ed educative della Rivoluzione russa. Ha contribuito a fondare il Museo della Cultura della Pittura e ha insegnato allo Svomas di Mosca (Free State Art Studios). Tuttavia, si sentì presto alienato e isolato dalla società sovietica, che preferiva un'arte più realistica e orientata al sociale. Ha dovuto affrontare anche la censura e le critiche delle autorità, che consideravano la sua arte astratta decadente e borghese. Nel 1921 lasciò la Russia e tornò in Germania, dove si unì al Bauhaus, una scuola di arte e design fondata da Walter Gropius. Il Bauhaus mirava a unificare arte, artigianato e tecnologia e a creare un’estetica funzionale e moderna. Kandinsky insegnò il corso di progettazione di base e successivamente il corso di teoria avanzata, dove introdusse le sue idee sulla psicologia della forma, sulla teoria del colore e sull'astrazione geometrica. Ha anche condotto esperimenti sugli effetti dei colori e delle forme sulla percezione e sul comportamento umano.
I dipinti di Kandinsky di questo periodo divennero più geometrici e biomorfi e rifletterono il suo insegnamento al Bauhaus. Ha utilizzato forme semplici, come cerchi, triangoli e quadrati, e colori primari, come il rosso, il giallo e il blu, per creare composizioni equilibrate e armoniose. Ha utilizzato anche il bianco e nero per creare contrasto e tensione e per enfatizzare il movimento dinamico delle forme. Ha continuato a esplorare gli aspetti musicali e spirituali della sua arte e a creare serie di dipinti con titoli come Composizioni, Improvvisazioni e Impressioni. Alcuni dei suoi dipinti di questo periodo includono Giallo-Rosso-Blu (1925), Diversi cerchi (1926) e Composizione VIII (1923).
Il periodo parigino
Nel 1933 i nazisti chiusero il Bauhaus e Kandinsky si trasferì a Parigi, dove visse per il resto della sua vita. Divenne cittadino francese nel 1939 e continuò a dipingere e scrivere. Era per lo più isolato dagli altri artisti, che erano coinvolti nel Surrealismo o nell'Astrazione-Création, due movimenti con cui non si identificava completamente. Incontrò anche difficoltà nell'esporre e vendere le sue opere, poiché il pubblico e la critica non erano molto ricettivi alla sua arte astratta. Trovò sostegno e riconoscimento da parte dei suoi vecchi amici, come Paul Klee e Piet Mondrian, e di alcuni artisti più giovani, come Jean Arp e Joan Miró.
I dipinti di Kandinsky di questo periodo divennero più organici e biomorfici e presentavano forme che somigliavano a organismi microscopici, piante e animali. Ha utilizzato una tavolozza più diversificata e tenue e ha sperimentato trame e materiali diversi, come sabbia, gesso e giornali. Incorporò anche elementi di collage e montaggio e utilizzò linee curve e spigolose per creare motivi complessi e intricati. Mantenne il suo interesse per la musica e la spiritualità e chiamò alcuni dei suoi dipinti con termini musicali, come Tempered Élan (1944), Mild Tension (1937) e Dominant Curve (1936).
Come apprezzare e comprendere i dipinti di Kandinsky
I dipinti di Kandinsky non sono facili da comprendere o apprezzare, poiché non rappresentano oggetti o scene riconoscibili e non hanno significati chiari o fissi. Sono pensati per essere vissuti e interpretati dallo spettatore, che può utilizzare la propria immaginazione, emozioni e associazioni per creare una risposta personale e soggettiva. Tuttavia, ci sono alcuni suggerimenti e linee guida che possono aiutare lo spettatore ad avvicinarsi e ad apprezzare i dipinti di Kandinsky, come ad esempio:
- Osserva i colori e come interagiscono tra loro. Creano contrasto o armonia? Evocano sentimenti o stati d'animo? Ti ricordano suoni o musica?
- Osserva le forme e come si relazionano tra loro. Creano equilibrio o tensione? Suggeriscono qualche movimento o direzione? Assomigliano a qualche oggetto o simbolo?
- Guarda la composizione e come è organizzata. Vedete qualche punto focale o centro di interesse? Vedi qualche schema o ritmo? Vedi qualche simmetria o asimmetria? Vedi qualche profondità o prospettiva?
- Guarda il titolo e come si collega al dipinto. Ti dà qualche indizio o suggerimento? Suggerisce qualche tema o concetto? Corrisponde o contrasta con la tua impressione del dipinto?
- Guarda il contesto e come influenza il dipinto. Quando e dove è stato realizzato il dipinto? Qual era l’intenzione e la motivazione dell’artista? Qual è stato il contesto storico e culturale? A quale movimento o stile artistico apparteneva il dipinto?
- Osserva la tua reazione e come influisce sulla tua comprensione del dipinto. Cosa ti piace o cosa non ti piace del dipinto? Cosa provi o pensi quando guardi il dipinto? Cosa associ o colleghi al dipinto? Cosa impari o scopri dal dipinto?
Esempi di dipinti di Kandinsky
Ecco alcuni esempi di dipinti di Kandinsky, insieme ad alcune brevi spiegazioni e analisi. Puoi utilizzare i suggerimenti e le linee guida sopra riportati per esplorare e apprezzare ulteriormente questi dipinti o qualsiasi altro dipinto di Kandinsky.
Composizione IV (1911)
Composizione IV è uno dei primi dipinti di Kandinsky completamente astratto, nel senso che non raffigura oggetti o scene riconoscibili. È anche uno dei suoi dipinti più complessi e caotici, poiché contiene una moltitudine di colori, forme e forme che sembrano scontrarsi e scontrarsi tra loro. Tuttavia, se guardi da vicino, puoi ancora trovare alcune tracce della rappresentazione, come un cavallo, un cavaliere, una barca, un castello e un arcobaleno. Questi elementi derivano dai primi dipinti di Kandinsky e simboleggiano il suo viaggio spirituale e artistico. Il dipinto è influenzato anche dalla musica, come suggerisce il titolo, e può essere visto come una sinfonia visiva, con diversi motivi, temi e variazioni. Il dipinto ha lo scopo di evocare una gamma di emozioni e sensazioni nello spettatore e di stimolare l'immaginazione e l'intuizione.
Giallo-Rosso-Blu (1925)
Giallo-Rosso-Blu è uno dei dipinti di Kandinsky che riflette il suo insegnamento al Bauhaus, dove utilizzava forme geometriche e colori primari per creare composizioni armoniose ed equilibrate. Il dipinto è diviso in due metà, con un triangolo giallo a sinistra e un cerchio blu a destra. Il triangolo giallo rappresenta il calore, la luce e l'attività, mentre il cerchio blu rappresenta il freddo, l'oscurità e la passività. Il quadrato rosso al centro rappresenta l'equilibrio e la tensione tra i due opposti. Il dipinto contiene anche altre forme e colori, come linee bianche e nere, rettangoli verdi e viola e cerchi arancioni e rosa, che creano contrasto e movimento. Il dipinto è influenzato anche dalla musica, come suggerisce il titolo, e può essere visto come un accordo visivo, con toni, note e armonie diverse. Il dipinto ha lo scopo di comunicare la “necessità interiore” dell’artista e di creare un linguaggio artistico universale.
Curva dominante (1936)
Curva dominante è uno dei dipinti di Kandinsky che riflette la sua vita a Parigi, dove utilizzava forme organiche e biomorfe e una tavolozza più diversificata e attenuata per creare motivi complessi e intricati. Il dipinto è dominato da una grande linea curva che attraversa la tela e che crea un senso di movimento e direzione. Il dipinto contiene anche altre forme e colori, come cerchi, triangoli, quadrati e spirali, che ricordano organismi microscopici, piante e animali. Il dipinto incorpora anche elementi di collage e montaggio, come ritagli di giornale, che creano consistenza e contrasto. Il dipinto è anche influenzato dalla musica, come suggerisce il titolo, e può essere visto come una melodia visiva, con ritmi, tempi e variazioni diversi. Il dipinto ha lo scopo di esprimere il “suono interiore” dell'artista e di creare una risposta personale e soggettiva nello spettatore.
