Peintures de Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky fut l'un des artistes les plus originaux et les plus influents du XXe siècle et un pionnier de la peinture abstraite. Sa « nécessité intérieure » d’exprimer ses perceptions émotionnelles l’a conduit au développement d’un style de peinture abstrait, basé... Read more

Vassily Kandinsky fut l'un des artistes les plus originaux et les plus influents du XXe siècle et un pionnier de la peinture abstraite. Sa « nécessité intérieure » d’exprimer ses perceptions émotionnelles l’a conduit au développement d’un style de peinture abstrait, basé sur les propriétés non figuratives de la couleur et de la forme. Son vocabulaire visuel s'est développé en trois phases, passant de ses premières toiles figuratives et de leur symbolisme divin à ses compositions ravissantes et opératiques, en passant par ses derniers plans de couleur géométriques et biomorphiques. L’art et les idées de Kandinsky ont inspiré de nombreuses générations d’artistes, depuis ses étudiants du Bauhaus jusqu’aux expressionnistes abstraits après la Seconde Guerre mondiale. Dans cet article, nous explorerons la vie et l'œuvre de Vassily Kandinsky, en nous concentrant sur ses peintures, leur style, leur signification et leur influence. Nous fournirons également quelques conseils pour apprécier et comprendre son art abstrait, ainsi que quelques exemples de ses œuvres les plus célèbres et les plus représentatives.

Première vie et influences

Vassily Kandinsky est né le 4 décembre 1866 à Moscou, en Russie. Issu d'une famille instruite et cultivée, il s'intéresse très tôt à l'art, à la musique et à la littérature. Il apprend à jouer du piano et du violoncelle et est fasciné par la couleur et ses effets sur les sens. Il a rappelé un jour qu'il considérait les couleurs comme des sons et les sons comme des couleurs, une condition connue sous le nom de synesthésie. Il avait également une imagination débordante et une vision spirituelle, influencées par son éducation chrétienne orthodoxe et son exposition à diverses religions et philosophies.

Kandinsky a étudié le droit et l'économie à l'Université de Moscou, où il a obtenu son diplôme avec distinction en 1892. Il a ensuite travaillé comme conférencier et avocat, mais il se sentait insatisfait de sa carrière et de sa vie. Il décide de poursuivre sa passion pour l'art et s'installe à Munich, en Allemagne, en 1896, à l'âge de 30 ans. Là, il s'inscrit à l'Académie des Beaux-Arts et étudie sous la direction de Franz von Stuck, un peintre symboliste. Il a également visité diverses villes européennes, telles que Paris, Amsterdam et Venise, et a découvert les œuvres des impressionnistes, des postimpressionnistes et des fauves, qui utilisaient des couleurs vives et expressives pour capturer la lumière et l'ambiance. Il a été particulièrement impressionné par les peintures de Claude Monet, notamment sa série Meules de foin, qui montrait le même sujet dans différentes conditions d'éclairage et à différents moments de la journée. Kandinsky s'est rendu compte que la couleur pouvait être utilisée pour transmettre des émotions et des sensations, plutôt que simplement pour représenter la réalité.

Les premières peintures de Kandinsky étaient pour la plupart des paysages et des scènes de l’art populaire russe, comme des contes de fées et des légendes. Il utilise des couleurs vives et contrastées et expérimente différentes techniques et styles. Il a également incorporé des éléments de symbolisme et de spiritualité, car il croyait que l'art était un moyen de communiquer avec le divin et le moi intérieur. Certaines de ses premières œuvres incluent The Blue Rider (1903), The Last Judgment (1912) et Old Town II (1902).

La période du Cavalier Bleu

En 1911, Kandinsky fonde un groupe artistique appelé Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu), avec d'autres artistes d'avant-garde tels que Franz Marc, August Macke et Paul Klee. Le nom du groupe a été inspiré par le tableau du même titre de Kandinsky, qui représente un cavalier traversant un paysage. Le cavalier bleu symbolisait la quête de liberté spirituelle et artistique de l’artiste et son rejet du conventionnel et du banal. Le groupe partageait une vision commune de la création d'un nouvel art qui transcenderait les frontières du réalisme et exprimerait le monde intérieur de l'artiste. Ils ont également organisé des expositions, publié un journal et rédigé un manifeste dans lequel ils énonçaient leurs principes et leurs objectifs.

Les peintures de Kandinsky de cette période deviennent plus abstraites et expressives et présentent des motifs tels que des cercles, des lignes et des chevaux. Il utilisait les couleurs et les formes pour créer des effets musicaux et émotionnels et pour évoquer des sons et des sensations. Il a également écrit un livre intitulé Concernant le spirituel dans l'art, dans lequel il explique sa théorie de l'art et sa classification des couleurs et des formes. Il soutenait que l’art devait être libéré des contraintes de représentation et que l’art abstrait était le mode idéal pour exprimer la « nécessité intérieure » de l’artiste et transmettre les émotions et les idées humaines universelles. Il affirmait également que les couleurs et les formes avaient leurs propres significations et associations, et qu'elles pouvaient être combinées pour créer des harmonies et des contrastes, semblables aux compositions musicales. Il comparait le peintre à un compositeur et le tableau à une symphonie. Certaines de ses peintures de cette période incluent Composition IV (1911), Improvisation 28 (1912) et Black Lines (1913).

La période Bauhaus

En 1914, après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Kandinsky retourne à Moscou, où il s'implique dans les réformes culturelles et éducatives de la Révolution russe. Il a contribué à la création du Musée de la culture de la peinture et a enseigné aux Svomas (Ateliers d'art libres d'État) de Moscou. Cependant, il se sent vite aliéné et isolé de la société soviétique, favorable à un art plus réaliste et plus social. Il fait également face à la censure et aux critiques des autorités, qui considèrent son art abstrait comme décadent et bourgeois. En 1921, il quitte la Russie et retourne en Allemagne, où il rejoint le Bauhaus, une école d'art et de design fondée par Walter Gropius. Le Bauhaus visait à unifier l’art, l’artisanat et la technologie et à créer une esthétique fonctionnelle et moderne. Kandinsky a enseigné le cours de conception de base, puis le cours de théorie avancée, où il a présenté ses idées sur la psychologie des formes, la théorie des couleurs et l'abstraction géométrique. Il a également mené des expériences sur les effets des couleurs et des formes sur la perception et le comportement humains.

Les peintures de Kandinsky de cette période deviennent plus géométriques et biomorphiques et reflètent son enseignement au Bauhaus. Il a utilisé des formes simples, comme des cercles, des triangles et des carrés, et des couleurs primaires, comme le rouge, le jaune et le bleu, pour créer des compositions équilibrées et harmonieuses. Il utilise également le noir et le blanc pour créer du contraste et de la tension, et pour souligner le mouvement dynamique des formes. Il a continué à explorer les aspects musicaux et spirituels de son art et à créer des séries de peintures portant des titres tels que Compositions, Improvisations et Impressions. Certaines de ses peintures de cette période incluent Jaune-Rouge-Bleu (1925), Plusieurs Cercles (1926) et Composition VIII (1923).

La période parisienne

En 1933, les nazis ferment le Bauhaus et Kandinsky s'installe à Paris, où il vécut le reste de sa vie. Il devient citoyen français en 1939 et continue à peindre et à écrire. Il est pour la plupart isolé des autres artistes, impliqués soit dans le surréalisme, soit dans l'abstraction-création, deux mouvements dans lesquels il ne s'identifie pas pleinement. Il rencontre également des difficultés pour exposer et vendre son travail, le public et la critique n'étant pas très réceptifs à son art abstrait. Il a trouvé un certain soutien et une certaine reconnaissance auprès de ses vieux amis, tels que Paul Klee et Piet Mondrian, et auprès de certains artistes plus jeunes, tels que Jean Arp et Joan Miró.

Les peintures de Kandinsky de cette période sont devenues plus organiques et biomorphiques et présentaient des formes qui ressemblaient à des organismes microscopiques, des plantes et des animaux. Il a utilisé une palette plus diversifiée et plus sobre et a expérimenté différentes textures et matériaux, tels que le sable, le plâtre et le papier journal. Il a également incorporé des éléments de collage et de montage, et utilisé des lignes courbes et angulaires pour créer des motifs complexes et complexes. Il a maintenu son intérêt pour la musique et la spiritualité et a nommé certaines de ses peintures d'après des termes musicaux, tels que Trempé Élan (1944), Mild Tension (1937) et Dominant Curve (1936).

Comment apprécier et comprendre les peintures de Kandinsky

Les peintures de Kandinsky ne sont pas faciles à comprendre ou à apprécier, car elles ne représentent aucun objet ou scène reconnaissable et n’ont aucune signification claire ou fixe. Ils sont destinés à être vécus et interprétés par le spectateur, qui peut utiliser sa propre imagination, ses émotions et ses associations pour créer une réponse personnelle et subjective. Cependant, il existe quelques conseils et lignes directrices qui peuvent aider le spectateur à aborder et à apprécier les peintures de Kandinsky, tels que :

• Regardez les couleurs et comment elles interagissent les unes avec les autres. Créent-ils du contraste ou de l’harmonie ? Est-ce qu’ils évoquent des sentiments ou des humeurs ? Vous rappellent-ils des sons ou de la musique ?
• Regardez les formes et comment elles se rapportent les unes aux autres. Créent-ils un équilibre ou des tensions ? Suggèrent-ils un mouvement ou une direction ? Ressemblent-ils à des objets ou à des symboles ?
• Regardez la composition et comment elle est organisée. Voyez-vous un point focal ou un centre d’intérêt ? Voyez-vous un motif ou un rythme ? Voyez-vous une symétrie ou une asymétrie ? Voyez-vous une profondeur ou une perspective ?
• Regardez le titre et son rapport avec le tableau. Est-ce que cela vous donne un indice ou un indice ? Cela suggère-t-il un thème ou un concept ? Est-ce que cela correspond ou contraste avec votre impression du tableau ?
• Regardez le contexte et comment il influence la peinture. Quand et où le tableau a-t-il été réalisé ? Quelle était l’intention et la motivation de l’artiste ? Quel était le contexte historique et culturel ? À quel mouvement ou style artistique appartenait le tableau ?
• Regardez votre propre réaction et comment elle affecte votre compréhension du tableau. Qu’est-ce que vous aimez ou n’aimez pas dans le tableau ? Que ressentez-vous ou pensez-vous lorsque vous regardez le tableau ? Qu’associez-vous ou connectez-vous avec la peinture ? Qu’apprenez-vous ou découvrez-vous grâce au tableau ?

Exemples de peintures de Kandinsky

Voici quelques exemples de peintures de Kandinsky, accompagnés de brèves explications et analyses. Vous pouvez utiliser les conseils et directives ci-dessus pour explorer et apprécier davantage ces peintures, ou toute autre peinture de Kandinsky.

Composition IV (1911)

La Composition IV est l'une des premières peintures de Kandinsky qui soit complètement abstraite, c'est-à-dire qu'elle ne représente aucun objet ou scène reconnaissable. C’est également l’une de ses peintures les plus complexes et chaotiques, car elle contient une multitude de couleurs, de formes et de formes qui semblent s’affronter et se heurter. Cependant, si l'on regarde bien, on retrouve encore quelques traces de représentation, comme un cheval, un cavalier, un bateau, un château et un arc-en-ciel. Ces éléments sont dérivés des peintures antérieures de Kandinsky et symbolisent son voyage spirituel et artistique. La peinture est également influencée par la musique, comme le titre l’indique, et elle peut être considérée comme une symphonie visuelle, avec différents motifs, thèmes et variations. La peinture est destinée à évoquer une gamme d’émotions et de sensations chez le spectateur, et à stimuler l’imagination et l’intuition.

Jaune-Rouge-Bleu (1925)

Jaune-Rouge-Bleu est l'une des peintures de Kandinsky qui reflète son enseignement au Bauhaus, où il utilisait des formes géométriques et des couleurs primaires pour créer des compositions harmonieuses et équilibrées. Le tableau est divisé en deux moitiés, avec un triangle jaune à gauche et un cercle bleu à droite. Le triangle jaune représente la chaleur, la lumière et l'activité, tandis que le cercle bleu représente le froid, l'obscurité et la passivité. Le carré rouge au centre représente l’équilibre et la tension entre les deux opposés. Le tableau contient également d'autres formes et couleurs, telles que des lignes noires et blanches, des rectangles verts et violets et des cercles orange et roses, qui créent du contraste et du mouvement. La peinture est également influencée par la musique, comme le titre l’indique, et elle peut être considérée comme un accord visuel, avec différents tons, notes et harmonies. La peinture est destinée à communiquer la « nécessité intérieure » de l’artiste et à créer un langage artistique universel.

Courbe dominante (1936)

Dominant Curve est l'une des peintures de Kandinsky qui reflète sa vie à Paris, où il a utilisé des formes organiques et biomorphiques et une palette plus diversifiée et sobre pour créer des motifs complexes et complexes. Le tableau est dominé par une grande ligne courbe qui traverse la toile et crée une impression de mouvement et de direction. La peinture contient également d’autres formes et couleurs, telles que des cercles, des triangles, des carrés et des spirales, qui ressemblent à des organismes microscopiques, des plantes et des animaux. La peinture intègre également des éléments de collage et de montage, tels que des coupures de journaux, qui créent de la texture et du contraste. La peinture est également influencée par la musique, comme le titre l’indique, et elle peut être considérée comme une mélodie visuelle, avec différents rythmes, tempos et variations. La peinture est destinée à exprimer le « son intérieur » de l’artiste et à créer une réponse personnelle et subjective chez le spectateur.