Ο Βασίλι Καντίνσκι ήταν ένας από τους πιο πρωτότυπους και επιδραστικούς καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα και πρωτοπόρος της αφηρημένης ζωγραφικής. Η «εσωτερική του ανάγκη» να εκφράσει τις συναισθηματικές του αντιλήψεις οδήγησε στην ανάπτυξη ενός αφηρημένου στυλ ζωγραφικής, βασισμένου στις μη αναπαραστατικές ιδιότητες του χρώματος και της μορφής. Το εικαστικό του λεξιλόγιο αναπτύχθηκε μέσα από τρεις φάσεις, μετατοπίζοντας από τους πρώιμους, αναπαραστατικούς καμβάδες του και τον θεϊκό συμβολισμό τους στις συναρπαστικές και οπερατικές συνθέσεις του, στα όψιμα, γεωμετρικά και βιομορφικά επίπεδα χρωμάτων του. Η τέχνη και οι ιδέες του Καντίνσκι ενέπνευσαν πολλές γενιές καλλιτεχνών, από τους μαθητές του στο Bauhaus μέχρι τους Αφηρημένους Εξπρεσιονιστές μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο. Σε αυτό το άρθρο, θα εξερευνήσουμε τη ζωή και το έργο του Wassily Kandinsky, εστιάζοντας στους πίνακές του και το στυλ, το νόημα και την επιρροή τους. Θα δώσουμε επίσης μερικές συμβουλές για το πώς να εκτιμήσετε και να κατανοήσετε την αφηρημένη τέχνη του, καθώς και μερικά παραδείγματα από τα πιο διάσημα και αντιπροσωπευτικά έργα του.
Πρώιμη ζωή και επιρροές
Ο Βασίλι Καντίνσκι γεννήθηκε στις 4 Δεκεμβρίου 1866 στη Μόσχα της Ρωσίας. Καταγόταν από μια καλά μορφωμένη και καλλιεργημένη οικογένεια και έδειξε από νωρίς ενδιαφέρον για την τέχνη, τη μουσική και τη λογοτεχνία. Έμαθε να παίζει πιάνο και τσέλο και γοητεύτηκε από το χρώμα και τις επιδράσεις του στις αισθήσεις. Κάποτε θυμήθηκε ότι έβλεπε τα χρώματα ως ήχους και τους ήχους ως χρώματα, μια κατάσταση γνωστή ως συναισθησία. Είχε επίσης ζωηρή φαντασία και πνευματική ματιά, επηρεασμένος από την ορθόδοξη χριστιανική του ανατροφή και την έκθεσή του σε διάφορες θρησκείες και φιλοσοφίες.
Ο Καντίνσκι σπούδασε νομικά και οικονομικά στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας, από όπου αποφοίτησε με άριστα το 1892. Στη συνέχεια εργάστηκε ως λέκτορας και δικηγόρος, αλλά ένιωθε δυσαρεστημένος με την καριέρα και τη ζωή του. Αποφάσισε να συνεχίσει το πάθος του για την τέχνη και μετακόμισε στο Μόναχο της Γερμανίας το 1896, σε ηλικία 30 ετών. Εκεί, γράφτηκε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών και σπούδασε υπό την καθοδήγηση του Franz von Stuck, ενός συμβολιστή ζωγράφου. Επισκέφτηκε επίσης διάφορες ευρωπαϊκές πόλεις, όπως το Παρίσι, το Άμστερνταμ και τη Βενετία, και συνάντησε τα έργα των ιμπρεσιονιστών, των μετα-ιμπρεσιονιστών και των Fauves, που χρησιμοποιούσαν φωτεινά και εκφραστικά χρώματα για να αιχμαλωτίσουν το φως και τη διάθεση. Ιδιαίτερη εντύπωση του έκαναν οι πίνακες του Κλοντ Μονέ, ιδιαίτερα η σειρά του Haystacks, που έδειχνε το ίδιο θέμα σε διαφορετικές συνθήκες φωτισμού και ώρες της ημέρας. Ο Καντίνσκι συνειδητοποίησε ότι το χρώμα θα μπορούσε να χρησιμοποιηθεί για να μεταφέρει συναισθήματα και αισθήσεις, και όχι απλώς για να απεικονίσει την πραγματικότητα.
Οι πρώιμοι πίνακες του Καντίνσκι ήταν κυρίως τοπία και σκηνές από τη ρωσική λαϊκή τέχνη, όπως παραμύθια και θρύλοι. Χρησιμοποίησε ζωηρά και αντίθετα χρώματα και πειραματίστηκε με διαφορετικές τεχνικές και στυλ. Επίσης, ενσωμάτωσε στοιχεία συμβολισμού και πνευματικότητας, καθώς πίστευε ότι η τέχνη ήταν ένας τρόπος επικοινωνίας με το θείο και τον εσωτερικό εαυτό. Μερικά από τα πρώιμα έργα του περιλαμβάνουν το The Blue Rider (1903), η Last Judgment (1912) και η Old Town II (1902).
Η περίοδος του Blue Rider
Το 1911, ο Καντίνσκι ίδρυσε μια καλλιτεχνική ομάδα με το όνομα Der Blaue Reiter (The Blue Rider), μαζί με άλλους καλλιτέχνες της avant-garde, όπως ο Franz Marc, ο August Macke και ο Paul Klee. Το όνομα της ομάδας εμπνεύστηκε από τον ομότιτλο πίνακα του Καντίνσκι, ο οποίος παρουσίαζε έναν ιππέα να ιππεύει σε ένα τοπίο. Ο μπλε καβαλάρης συμβόλιζε την αναζήτηση του καλλιτέχνη για πνευματική και καλλιτεχνική ελευθερία και την απόρριψη του συμβατικού και του εγκόσμιου. Η ομάδα μοιραζόταν ένα κοινό όραμα για τη δημιουργία μιας νέας τέχνης που θα ξεπερνούσε τα όρια του ρεαλισμού και θα εξέφραζε τον εσωτερικό κόσμο του καλλιτέχνη. Διοργάνωσαν επίσης εκθέσεις, εξέδωσαν ένα περιοδικό και έγραψαν ένα μανιφέστο, στο οποίο δήλωναν τις αρχές και τους στόχους τους.
Οι πίνακες του Καντίνσκι από αυτήν την περίοδο έγιναν πιο αφηρημένοι και εκφραστικοί και παρουσίαζαν μοτίβα όπως κύκλους, γραμμές και άλογα. Χρησιμοποίησε χρώματα και σχήματα για να δημιουργήσει μουσικά και συναισθηματικά εφέ και να προκαλέσει ήχους και αισθήσεις. Έγραψε επίσης ένα βιβλίο, με τίτλο Concerning the Spiritual in Art, στο οποίο εξήγησε τη θεωρία του για την τέχνη και την ταξινόμηση των χρωμάτων και των μορφών. Υποστήριξε ότι η τέχνη πρέπει να είναι απαλλαγμένη από αναπαραστατικούς περιορισμούς και ότι η αφηρημένη τέχνη ήταν ο ιδανικός τρόπος για να εκφράσει την «εσωτερική αναγκαιότητα» του καλλιτέχνη και να μεταφέρει οικουμενικά ανθρώπινα συναισθήματα και ιδέες. Ισχυρίστηκε επίσης ότι τα χρώματα και οι μορφές είχαν τις δικές τους έννοιες και συνειρμούς και ότι μπορούσαν να συνδυαστούν για να δημιουργήσουν αρμονίες και αντιθέσεις, παρόμοιες με τις μουσικές συνθέσεις. Συνέκρινε τον ζωγράφο με έναν συνθέτη και τον πίνακα με μια συμφωνία. Μερικοί από τους πίνακές του αυτής της περιόδου περιλαμβάνουν Σύνθεση IV (1911), Αυτοσχεδιασμός 28 (1912) και Μαύρες Γραμμές (1913).
Η περίοδος Bauhaus
Το 1914, μετά το ξέσπασμα του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Καντίνσκι επέστρεψε στη Μόσχα, όπου συμμετείχε στις πολιτιστικές και εκπαιδευτικές μεταρρυθμίσεις της Ρωσικής Επανάστασης. Βοήθησε στην ίδρυση του Μουσείου Πολιτισμού της Ζωγραφικής και δίδαξε στο Moscow Svomas (Free State Art Studios). Ωστόσο, σύντομα ένιωσε αποξενωμένος και απομονωμένος από τη σοβιετική κοινωνία, η οποία ευνοούσε μια πιο ρεαλιστική και κοινωνικά προσανατολισμένη τέχνη. Αντιμετώπισε επίσης λογοκρισία και κριτική από τις αρχές, που θεωρούσαν την αφηρημένη τέχνη του παρακμιακή και αστική. Το 1921, άφησε τη Ρωσία και επέστρεψε στη Γερμανία, όπου εντάχθηκε στο Bauhaus, μια σχολή τέχνης και σχεδίου που ιδρύθηκε από τον Walter Gropius. Το Bauhaus είχε ως στόχο να ενοποιήσει την τέχνη, τη χειροτεχνία και την τεχνολογία και να δημιουργήσει μια λειτουργική και μοντέρνα αισθητική. Ο Καντίνσκι δίδαξε το βασικό μάθημα σχεδιασμού και αργότερα το μάθημα προχωρημένης θεωρίας, όπου εισήγαγε τις ιδέες του για την ψυχολογία της μορφής, τη θεωρία των χρωμάτων και τη γεωμετρική αφαίρεση. Διεξήγαγε επίσης πειράματα σχετικά με την επίδραση των χρωμάτων και των σχημάτων στην ανθρώπινη αντίληψη και συμπεριφορά.
Οι πίνακες του Καντίνσκι από αυτή την περίοδο έγιναν πιο γεωμετρικοί και βιομορφικοί και αντικατόπτριζαν τη διδασκαλία του στο Bauhaus. Χρησιμοποίησε απλά σχήματα, όπως κύκλους, τρίγωνα και τετράγωνα, και βασικά χρώματα, όπως κόκκινο, κίτρινο και μπλε, για να δημιουργήσει συνθέσεις που ήταν ισορροπημένες και αρμονικές. Χρησιμοποίησε επίσης το μαύρο και το άσπρο για να δημιουργήσει αντίθεση και ένταση και να τονίσει τη δυναμική κίνηση των μορφών. Συνέχισε να εξερευνά τις μουσικές και πνευματικές πτυχές της τέχνης του και να δημιουργεί σειρές έργων ζωγραφικής με τίτλους όπως Συνθέσεις, Αυτοσχεδιασμούς και Εντυπώσεις. Μερικοί από τους πίνακές του αυτής της περιόδου περιλαμβάνουν Κίτρινο-Κόκκινο-Μπλε (1925), Αρκετοί Κύκλοι (1926) και Σύνθεση VIII (1923).
Η περίοδος του Παρισιού
Το 1933, οι Ναζί έκλεισαν το Bauhaus και ο Καντίνσκι μετακόμισε στο Παρίσι, όπου έζησε για το υπόλοιπο της ζωής του. Έγινε Γάλλος πολίτης το 1939 και συνέχισε να ζωγραφίζει και να γράφει. Ήταν κυρίως απομονωμένος από τους άλλους καλλιτέχνες, οι οποίοι είτε ασχολούνταν με τον σουρεαλισμό είτε με την αφαίρεση-δημιουργία, δύο κινήματα με τα οποία δεν ταυτίστηκε πλήρως. Αντιμετώπισε επίσης δυσκολίες στην έκθεση και την πώληση του έργου του, καθώς το κοινό και η κριτική δεν ήταν ιδιαίτερα δεκτικοί στην αφηρημένη τέχνη του. Βρήκε κάποια υποστήριξη και αναγνώριση από τους παλιούς του φίλους, όπως ο Paul Klee και ο Piet Mondrian, και από μερικούς νεότερους καλλιτέχνες, όπως ο Jean Arp και ο Joan Miró.
Οι πίνακες του Καντίνσκι από αυτήν την περίοδο έγιναν πιο οργανικοί και βιομορφικοί και παρουσίαζαν μορφές που έμοιαζαν με μικροσκοπικούς οργανισμούς, φυτά και ζώα. Χρησιμοποίησε μια πιο ποικιλόμορφη και συγκρατημένη παλέτα και πειραματίστηκε με διαφορετικές υφές και υλικά, όπως άμμο, γύψο και εφημερίδα. Επίσης, ενσωμάτωσε στοιχεία κολάζ και μοντάζ και χρησιμοποίησε καμπύλες και γωνιακές γραμμές για να δημιουργήσει περίπλοκα και περίπλοκα μοτίβα. Διατήρησε το ενδιαφέρον του για τη μουσική και την πνευματικότητα και ονόμασε μερικούς από τους πίνακές του με μουσικούς όρους, όπως Tempered Élan (1944), Mild Tension (1937) και Dominant Curve (1936).
Πώς να εκτιμήσετε και να κατανοήσετε τους πίνακες του Kandinsky
Οι πίνακες του Καντίνσκι δεν είναι εύκολο να κατανοηθούν ή να εκτιμηθούν, καθώς δεν αντιπροσωπεύουν αναγνωρίσιμα αντικείμενα ή σκηνές και δεν έχουν καμία σαφή ή σταθερή σημασία. Προορίζονται να βιωθούν και να ερμηνευτούν από τον θεατή, ο οποίος μπορεί να χρησιμοποιήσει τη φαντασία, τα συναισθήματα και τους συνειρμούς του για να δημιουργήσει μια προσωπική και υποκειμενική απάντηση. Ωστόσο, υπάρχουν ορισμένες συμβουλές και οδηγίες που μπορούν να βοηθήσουν τον θεατή να προσεγγίσει και να απολαύσει τους πίνακες του Καντίνσκι, όπως:
- Δείτε τα χρώματα και πώς αλληλεπιδρούν μεταξύ τους. Δημιουργούν αντίθεση ή αρμονία; Προκαλούν συναισθήματα ή διαθέσεις; Σας θυμίζουν κάποιους ήχους ή μουσική;
- Δείτε τα σχήματα και πώς σχετίζονται μεταξύ τους. Δημιουργούν ισορροπία ή ένταση; Προτείνουν κάποια κίνηση ή κατεύθυνση; Μοιάζουν με αντικείμενα ή σύμβολα;
- Δείτε τη σύνθεση και πώς είναι οργανωμένη. Βλέπετε κάποιο σημείο εστίασης ή κέντρο ενδιαφέροντος; Βλέπετε κάποιο μοτίβο ή ρυθμό; Βλέπετε κάποια συμμετρία ή ασυμμετρία; Βλέπετε κάποιο βάθος ή προοπτική;
- Δείτε τον τίτλο και πώς σχετίζεται με τον πίνακα. Σας δίνει κάποια ιδέα ή υπόδειξη; Προτείνει κάποιο θέμα ή ιδέα; Ταιριάζει ή έρχεται σε αντίθεση με την εντύπωσή σας για τον πίνακα;
- Κοιτάξτε το πλαίσιο και πώς επηρεάζει τη ζωγραφική. Πότε και πού έγινε ο πίνακας; Ποια ήταν η πρόθεση και το κίνητρο του καλλιτέχνη; Ποιο ήταν το ιστορικό και πολιτιστικό υπόβαθρο; Ποια ήταν η καλλιτεχνική κίνηση ή το ύφος στο οποίο ανήκε ο πίνακας;
- Κοιτάξτε τη δική σας αντίδραση και πώς επηρεάζει την κατανόησή σας για τον πίνακα. Τι σας αρέσει ή τι δεν σας αρέσει στον πίνακα; Τι νιώθετε ή τι σκέφτεστε όταν κοιτάτε τον πίνακα; Τι συνδέετε ή συνδέετε με τον πίνακα; Τι μαθαίνετε ή ανακαλύπτετε από τον πίνακα;
Παραδείγματα ζωγραφικής του Καντίνσκι
Ακολουθούν μερικά παραδείγματα από τους πίνακες του Καντίνσκι, μαζί με μερικές σύντομες εξηγήσεις και αναλύσεις. Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε τις παραπάνω συμβουλές και οδηγίες για να εξερευνήσετε και να εκτιμήσετε περαιτέρω αυτούς τους πίνακες ή οποιονδήποτε άλλο πίνακες του Kandinsky.
Σύνθεση IV (1911)
Η σύνθεση IV είναι ένας από τους πρώτους πίνακες του Kandinsky που είναι εντελώς αφηρημένος, που σημαίνει ότι δεν απεικονίζει αναγνωρίσιμα αντικείμενα ή σκηνές. Είναι επίσης ένας από τους πιο σύνθετους και χαοτικούς πίνακές του, καθώς περιέχει ένα πλήθος χρωμάτων, σχημάτων και μορφών που μοιάζουν να συγκρούονται και να συγκρούονται μεταξύ τους. Ωστόσο, αν κοιτάξετε προσεκτικά, μπορείτε ακόμα να βρείτε κάποια ίχνη αναπαράστασης, όπως ένα άλογο, έναν αναβάτη, μια βάρκα, ένα κάστρο και ένα ουράνιο τόξο. Αυτά τα στοιχεία προέρχονται από παλαιότερους πίνακες του Καντίνσκι και συμβολίζουν το πνευματικό και καλλιτεχνικό του ταξίδι. Ο πίνακας είναι επίσης επηρεασμένος από τη μουσική, όπως υποδηλώνει ο τίτλος, και μπορεί να θεωρηθεί ως μια οπτική συμφωνία, με διαφορετικά μοτίβα, θέματα και παραλλαγές. Ο πίνακας έχει σκοπό να προκαλέσει μια σειρά από συναισθήματα και αισθήσεις στον θεατή και να διεγείρει τη φαντασία και τη διαίσθηση.
Κίτρινο-Κόκκινο-Μπλε (1925)
Το κίτρινο-κόκκινο-μπλε είναι ένας από τους πίνακες του Kandinsky που αντικατοπτρίζει τη διδασκαλία του στο Bauhaus, όπου χρησιμοποίησε γεωμετρικά σχήματα και βασικά χρώματα για να δημιουργήσει αρμονικές και ισορροπημένες συνθέσεις. Ο πίνακας χωρίζεται σε δύο μισά, με ένα κίτρινο τρίγωνο στα αριστερά και έναν μπλε κύκλο στα δεξιά. Το κίτρινο τρίγωνο αντιπροσωπεύει τη ζεστασιά, το φως και τη δραστηριότητα, ενώ ο μπλε κύκλος αντιπροσωπεύει το κρύο, το σκοτάδι και την παθητικότητα. Το κόκκινο τετράγωνο στο κέντρο αντιπροσωπεύει την ισορροπία και την ένταση μεταξύ των δύο αντιθέτων. Ο πίνακας περιέχει επίσης άλλα σχήματα και χρώματα, όπως ασπρόμαυρες γραμμές, πράσινα και μοβ ορθογώνια και πορτοκαλί και ροζ κύκλους, που δημιουργούν αντίθεση και κίνηση. Ο πίνακας είναι επίσης επηρεασμένος από τη μουσική, όπως υποδηλώνει ο τίτλος, και μπορεί να θεωρηθεί ως μια οπτική συγχορδία, με διαφορετικούς τόνους, νότες και αρμονίες. Ο πίνακας έχει σκοπό να επικοινωνήσει την «εσωτερική ανάγκη» του καλλιτέχνη και να δημιουργήσει μια παγκόσμια γλώσσα τέχνης.
Dominant Curve (1936)
Το Dominant Curve είναι ένας από τους πίνακες του Kandinsky που αντικατοπτρίζει τη ζωή του στο Παρίσι, όπου χρησιμοποίησε οργανικές και βιομορφικές μορφές και μια πιο ποικιλόμορφη και υποτονική παλέτα για να δημιουργήσει περίπλοκα και περίπλοκα μοτίβα. Στον πίνακα κυριαρχεί μια μεγάλη, καμπύλη γραμμή που διατρέχει τον καμβά και δημιουργεί μια αίσθηση κίνησης και κατεύθυνσης. Ο πίνακας περιέχει επίσης άλλες μορφές και χρώματα, όπως κύκλους, τρίγωνα, τετράγωνα και σπείρες, που μοιάζουν με μικροσκοπικούς οργανισμούς, φυτά και ζώα. Ο πίνακας ενσωματώνει επίσης στοιχεία κολάζ και μοντάζ, όπως αποκόμματα εφημερίδων, που δημιουργούν υφή και αντίθεση. Ο πίνακας είναι επίσης επηρεασμένος από τη μουσική, όπως υποδηλώνει ο τίτλος, και μπορεί να θεωρηθεί ως μια οπτική μελωδία, με διαφορετικούς ρυθμούς, τέμπο και παραλλαγές. Ο πίνακας έχει σκοπό να εκφράσει τον «εσωτερικό ήχο» του καλλιτέχνη και να δημιουργήσει μια προσωπική και υποκειμενική απάντηση στον θεατή.
