Tablouri Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky a fost unul dintre cei mai originali și influenți artiști ai secolului al XX-lea și un pionier al picturii abstracte. „Necesitatea sa interioară” de a-și exprima percepțiile emoționale a condus la dezvoltarea unui stil abstract de pictură, bazat pe proprietățile... Read more

Wassily Kandinsky a fost unul dintre cei mai originali și influenți artiști ai secolului al XX-lea și un pionier al picturii abstracte. „Necesitatea sa interioară” de a-și exprima percepțiile emoționale a condus la dezvoltarea unui stil abstract de pictură, bazat pe proprietățile nereprezentative ale culorii și formei. Vocabularul său vizual s-a dezvoltat în trei faze, trecând de la pânzele sale timpurii, reprezentative și simbolismul lor divin, la compozițiile sale răpitoare și de operă, la planurile sale de culoare tardive, geometrice și biomorfe. Arta și ideile lui Kandinsky au inspirat multe generații de artiști, de la studenții săi de la Bauhaus până la expresioniștii abstracti de după al Doilea Război Mondial. În acest articol, vom explora viața și opera lui Wassily Kandinsky, concentrându-ne pe picturile sale și pe stilul, sensul și influența lor. De asemenea, vom oferi câteva sfaturi despre cum să apreciezi și să înțelegi arta sa abstractă și câteva exemple din cele mai faimoase și reprezentative opere ale sale.

Viața timpurie și influențe

Wassily Kandinsky s-a născut pe 4 decembrie 1866, la Moscova, Rusia. El provenea dintr-o familie bine educată și cultă și a arătat un interes timpuriu pentru artă, muzică și literatură. A învățat să cânte la pian și violoncel și a fost fascinat de culoare și de efectele acesteia asupra simțurilor. El și-a amintit odată că vedea culorile ca sunete și sunetele ca culori, o afecțiune cunoscută sub numele de sinestezie. El a avut, de asemenea, o imaginație vie și o perspectivă spirituală, influențată de educația sa creștină ortodoxă și de expunerea sa la diferite religii și filosofii.

Kandinsky a studiat dreptul și economia la Universitatea din Moscova, unde a absolvit cu onoare în 1892. Apoi a lucrat ca lector și avocat, dar s-a simțit nemulțumit de cariera și viața sa. A decis să-și continue pasiunea pentru artă și s-a mutat la München, Germania, în 1896, la vârsta de 30 de ani. Acolo s-a înscris la Academia de Arte Frumoase și a studiat sub îndrumarea lui Franz von Stuck, un pictor simbolist. De asemenea, a vizitat diverse orașe europene, cum ar fi Paris, Amsterdam și Veneția, și a întâlnit lucrările impresioniștilor, postimpresionistilor și fauvilor, care au folosit culori luminoase și expresive pentru a capta lumina și starea de spirit. A fost impresionat în special de picturile lui Claude Monet, în special de seria sa Haystacks, care arăta același subiect în diferite condiții de iluminare și momente ale zilei. Kandinsky și-a dat seama că culoarea poate fi folosită pentru a transmite emoții și senzații, mai degrabă decât doar pentru a descrie realitatea.

Picturile timpurii ale lui Kandinsky au fost în mare parte peisaje și scene din arta populară rusă, cum ar fi basme și legende. A folosit culori vibrante și contrastante și a experimentat diferite tehnici și stiluri. De asemenea, a încorporat elemente de simbolism și spiritualitate, deoarece credea că arta este o modalitate de a comunica cu divinul și cu eul interior. Unele dintre lucrările sale timpurii includ The Blue Rider (1903), The Last Judgment (1912) și Old Town II (1902).

Perioada Călărețului Albastru

În 1911, Kandinsky a fondat un grup artistic numit Der Blaue Reiter (Călărețul albastru), împreună cu alți artiști de avangardă, precum Franz Marc, August Macke și Paul Klee. Numele grupului a fost inspirat de pictura cu același titlu a lui Kandinsky, care prezenta un călăreț călare pe un peisaj. Călărețul albastru a simbolizat căutarea artistului pentru libertate spirituală și artistică și respingerea lui a convenționalului și a banalului. Grupul a împărtășit o viziune comună de a crea o nouă artă care să depășească granițele realismului și să exprime lumea interioară a artistului. De asemenea, au organizat expoziții, au publicat un jurnal și au scris un manifest, în care și-au declarat principiile și scopurile.

Picturile lui Kandinsky din această perioadă au devenit mai abstracte și mai expresive și au prezentat motive precum cercuri, linii și cai. A folosit culori și forme pentru a crea efecte muzicale și emoționale și pentru a evoca sunete și senzații. De asemenea, a scris o carte, intitulată Concerning the Spiritual in Art, în care și-a explicat teoria artei și clasificarea sa a culorilor și formelor. El a susținut că arta ar trebui să fie liberă de constrângeri de reprezentare și că arta abstractă este modul ideal de a exprima „necesitatea interioară” a artistului și de a transmite emoții și idei umane universale. El a susținut, de asemenea, că culorile și formele au propriile semnificații și asocieri și că pot fi combinate pentru a crea armonii și contraste, similare compozițiilor muzicale. El a comparat pictorul cu un compozitor, iar tabloul cu o simfonie. Unele dintre picturile sale din această perioadă includ Compoziția IV (1911), Improvizația 28 (1912) și Liniile negre (1913).

Perioada Bauhaus

În 1914, după izbucnirea Primului Război Mondial, Kandinsky s-a întors la Moscova, unde s-a implicat în reformele culturale și educaționale ale Revoluției Ruse. A contribuit la înființarea Muzeului Culturii Picturii și a predat la Svomas (Studiile de artă de stat libere) din Moscova. Cu toate acestea, s-a simțit curând înstrăinat și izolat de societatea sovietică, ceea ce a favorizat o artă mai realistă și mai orientată social. De asemenea, s-a confruntat cu cenzura și criticile autorităților, care considerau arta sa abstractă ca fiind decadentă și burgheză. În 1921, a părăsit Rusia și s-a mutat înapoi în Germania, unde s-a alăturat Bauhaus, o școală de artă și design fondată de Walter Gropius. Bauhaus și-a propus să unifice arta, meșteșugul și tehnologia și să creeze o estetică funcțională și modernă. Kandinsky a predat clasa de design de bază, iar mai târziu clasa de teorie avansată, unde și-a prezentat ideile despre psihologia formei, teoria culorilor și abstracția geometrică. De asemenea, a efectuat experimente privind efectele culorilor și formelor asupra percepției și comportamentului uman.

Picturile lui Kandinsky din această perioadă au devenit mai geometrice și biomorfe și au reflectat predarea sa de la Bauhaus. El a folosit forme simple, cum ar fi cercuri, triunghiuri și pătrate, și culori primare, cum ar fi roșu, galben și albastru, pentru a crea compoziții echilibrate și armonioase. De asemenea, a folosit alb-negru pentru a crea contrast și tensiune și pentru a sublinia mișcarea dinamică a formelor. A continuat să exploreze aspectele muzicale și spirituale ale artei sale și să creeze serii de picturi cu titluri precum Compoziții, Improvizații și Impresii. Unele dintre picturile sale din această perioadă includ Galben-Roșu-Albastru (1925), Mai multe cercuri (1926) și Compoziția VIII (1923).

Perioada Parisului

În 1933, naziștii au închis Bauhaus, iar Kandinsky s-a mutat la Paris, unde a trăit pentru tot restul vieții. A devenit cetățean francez în 1939 și a continuat să picteze și să scrie. A fost în mare parte izolat de ceilalți artiști, care erau fie implicați în suprarealism, fie în abstracție-creare, două mișcări cu care nu s-a identificat pe deplin. De asemenea, a întâmpinat dificultăți în a-și expune și vinde opera, deoarece publicul și criticii nu au fost foarte receptivi la arta sa abstractă. A găsit sprijin și recunoaștere de la vechii săi prieteni, precum Paul Klee și Piet Mondrian, și de la câțiva artiști mai tineri, precum Jean Arp și Joan Miró.

Picturile lui Kandinsky din această perioadă au devenit mai organice și biomorfe și prezentau forme care semănau cu organisme microscopice, plante și animale. A folosit o paletă mai diversă și mai discretă și a experimentat cu diferite texturi și materiale, cum ar fi nisip, tencuială și ziarul. De asemenea, a încorporat elemente de colaj și montaj și a folosit linii curbe și unghiulare pentru a crea modele complexe și complicate. Și-a menținut interesul pentru muzică și spiritualitate și a numit unele dintre picturile sale după termeni muzicali, cum ar fi Tempered Élan (1944), Mild Tension (1937) și Dominant Curve (1936).

Cum să apreciezi și să înțelegi picturile lui Kandinsky

Picturile lui Kandinsky nu sunt ușor de înțeles sau de apreciat, deoarece nu reprezintă niciun obiect sau scenă recognoscibilă și nu au semnificații clare sau fixe. Ele sunt menite să fie experimentate și interpretate de către privitor, care își poate folosi propria imaginație, emoții și asocieri pentru a crea un răspuns personal și subiectiv. Cu toate acestea, există câteva sfaturi și îndrumări care pot ajuta privitorul să abordeze și să se bucure de picturile lui Kandinsky, cum ar fi:

• Priviți culorile și modul în care interacționează între ele. Ele creează contrast sau armonie? Evocă ele sentimente sau stări de spirit? Îți amintesc de vreun sunet sau muzică?
• Priviți formele și modul în care se leagă între ele. Creează ele echilibru sau tensiune? Sugerează ei vreo mișcare sau direcție? Seamănă cu obiecte sau simboluri?
• Privește compoziția și cum este organizată. Vedeți vreun punct focal sau centru de interes? Vedeți vreun model sau ritm? Vedeți vreo simetrie sau asimetrie? Vedeți vreo profunzime sau perspectivă?
• Privește titlul și cum se leagă de pictură. Vă oferă vreun indiciu sau indiciu? Sugerează vreo temă sau concept? Se potrivește sau contrastează cu impresia ta despre pictură?
• Priviți contextul și modul în care acesta influențează pictura. Când și unde a fost realizat tabloul? Care a fost intenția și motivația artistului? Care a fost fundalul istoric și cultural? Care a fost mișcarea sau stilul artistic căruia îi aparținea pictura?
• Priviți propria voastră reacție și modul în care vă afectează înțelegerea picturii. Ce vă place sau ce nu vă place la tablou? Ce simți sau gândești când te uiți la tablou? Ce asociați sau conectați cu pictura? Ce înveți sau descoperi din pictură?

Exemple de picturi ale lui Kandinsky

Iată câteva exemple de picturi ale lui Kandinsky, împreună cu câteva explicații și analize scurte. Puteți folosi sfaturile și îndrumările de mai sus pentru a explora și a aprecia în continuare aceste picturi sau orice alte picturi de Kandinsky.

Compoziția IV (1911)

Compoziția IV este una dintre primele picturi ale lui Kandinsky care este complet abstractă, ceea ce înseamnă că nu înfățișează niciun obiect sau scenă de recunoscut. Este, de asemenea, una dintre cele mai complexe și haotice picturi ale sale, deoarece conține o multitudine de culori, forme și forme care par să se ciocnească și să se ciocnească unele cu altele. Cu toate acestea, dacă te uiți cu atenție, poți găsi în continuare câteva urme de reprezentare, cum ar fi un cal, un călăreț, o barcă, un castel și un curcubeu. Aceste elemente sunt derivate din picturile anterioare ale lui Kandinsky și simbolizează călătoria sa spirituală și artistică. Pictura este, de asemenea, influențată de muzică, așa cum sugerează și titlul, și poate fi văzută ca o simfonie vizuală, cu diferite motive, teme și variații. Pictura este menită să evoce o serie de emoții și senzații în privitor și să stimuleze imaginația și intuiția.

Galben-Roșu-Albastru (1925)

Galben-Roșu-Albastru este unul dintre picturile lui Kandinsky care reflectă predarea sa la Bauhaus, unde a folosit forme geometrice și culori primare pentru a crea compoziții armonioase și echilibrate. Pictura este împărțită în două jumătăți, cu un triunghi galben în stânga și un cerc albastru în dreapta. Triunghiul galben reprezintă căldura, lumina și activitatea, în timp ce cercul albastru reprezintă frigul, întunericul și pasivitatea. Patratul rosu din centru reprezinta echilibrul si tensiunea dintre cele doua opuse. Pictura conține și alte forme și culori, cum ar fi linii alb-negru, dreptunghiuri verzi și violet și cercuri portocalii și roz, care creează contrast și mișcare. Pictura este influențată și de muzică, așa cum sugerează titlul, și poate fi văzută ca o coardă vizuală, cu tonuri, note și armonii diferite. Pictura este menită să comunice „necesitatea interioară” a artistului și să creeze un limbaj universal al artei.

Curba dominantă (1936)

Dominant Curve este unul dintre picturile lui Kandinsky care reflectă viața lui la Paris, unde a folosit forme organice și biomorfe și o paletă mai diversă și mai discretă pentru a crea modele complexe și complicate. Pictura este dominată de o linie mare, curbă, care străbate pânza și care creează un sentiment de mișcare și direcție. Pictura conține și alte forme și culori, cum ar fi cercuri, triunghiuri, pătrate și spirale, care seamănă cu organisme microscopice, plante și animale. Pictura încorporează, de asemenea, elemente de colaj și montaj, cum ar fi decupaje din ziare, care creează textură și contrast. Pictura este influențată și de muzică, așa cum sugerează și titlul, și poate fi văzută ca o melodie vizuală, cu ritmuri, tempo-uri și variații diferite. Pictura este menită să exprime „sunetul interior” al artistului și să creeze un răspuns personal și subiectiv în privitor.